ARTMÉVI | ArtMéssiamé

[ LES ARTISTES RÉSIDENTS ]

ARTMÉVI 2024

PARMENAS

AWUDZA

Parmenas Awudza est un photographe togolais né en 2000. Travaillant principalement à Lomé, il s’intéresse à la photographie dès l’âge de 16 ans en suivant des formations techniques et commence à arpenter les rues de sa ville afin de capturer des instants témoins de ce paysage qui l’a vu grandir. Une seconde partie de son travail consiste à raconter des histoires derrière des mises en scènes de personnages décrivant des moments, des idées que l’artiste veut mettre en avant. La palette de couleurs utilisée donne un ton pictural à ses photographies, nous plongeant dans le doute de la réalité du sujet.
Parmenas Awudza a exposé à Lomé, Paris et fut l’un des finalistes du Prix Ellipse 2023.

MAXIME

BAGNI

Maxime Bagni (Paris, 1997), est un artiste-plasticien franco-italien diplômé de l’ENSAD. Il explore les potentiels que recèlent les espaces et formes du quotidien à travers l’installation, l’écriture et la transformation d’éléments collectés et collectionnés et travaille avec des éléments de construction, tel le verre, le bois, des matériaux d’isolation, des objets du monde des échanges et du travail.

En concevant l’installation comme la mise en place d’une fondation, Maxime Bagni alimente un récit propre aux sculptures, une architecture dissimulée du langage qui s’exprime à la lisière du signifiant : de la ruine vers l’installation, de la poésie à la construction architecturale, de l’atelier à des interventions in situ.

LORIE

BAYEN EL-KAIM

Lorie Bayen El-Kaim est Diplôme de l’ESAD Saint-Étienne en Design Objets (2018). Originaire de Normandie, elle vit et travaille à Paris comme scénographe, designer et illustratrice et développe des projets de recherche qui l’ont notamment menée vers de nombreuses résidences de recherche. Elle fut également finaliste de Design Parade Hyères en 2023.

Ses inspirations premières dans le dessin et dans la création sont l’alimentation et les paysages. Ils représentent selon elle des ouvertures vers chaque culture et permettent de créer un lien avec tous, sans limites d’âge ni de classe sociale.
Elle souhaite créer des objets joyeux et colorés, qui inspirent la sympathie tout en questionnant leurs interlocuteurs sur leurs quotidiens.

KELLY

CHERRY BOEGLY

« Dans ma banlieue du 94 en île de France, j’ai nourri pendant longtemps l’espoir de pouvoir montrer les invisibles au travers mon art. Ces invisibles ce sont ma mère, femme de ménage, mon père, chauffeur-livreur, et tout ceux qui se sont sacrifiés pour leur descendance en France. Dans l’assimilation, le silence, l’endurance, la non-transmission culturelle sont les points de départ de ma pratique. Puis j’ai fouillé, à m’en rompre la rétine, dans l’Histoire coloniale, dans le passé muet. C’est alors, que moi, métisse Caribéo-franco.... sortant de mon HLM, que je me suis rendue compte de l’immensité des possibles d’histoire/Histoire. Dans mon travail pluri-médium à la fois photographique, documentaire, dessiné, pictural et d’écriture je tend à envahir l’espace, à immerger le spectateur, en créant des ponts entre les médiums. Fouiller dans le passé pour tenter de créer un futur au travers des portraits, des archives, des histoires, l’Histoire des cultures.

PAULINE-ROSE

DUMAS

Pauline-Rose Dumas est une artiste pluridisciplinaire française, diplômée des Beaux- Arts de Paris avec félicitations du jury (2022) dans l’atelier de Tatiana Trouvé et du Chelsea College of Arts (Londres, 2019) en textile. Elle a exposé entre autres avec la galerie Pauline Pavec (2023), la Ghost Galerie (partenariat avec Christie’s - 2023), la galerie Lazarew (2022), à la Luxembourg Art Week (installation in situ en partenariat avec l’Institut Français - 2023) ou encore à la Fondation Thalie à Bruxelles (2021). Ses œuvres font partie de collections publiques et privées (Fondation Thalie / Banque Européenne d’Investissement du Luxembourg). Elle est aujourd’hui représentée par la galerie Anne- Laure Buffard avec qui elle expose en Solo Show à Art Paris en avril 2024.

« Mon travail d’artiste établit une correspondance entre les techniques de la forge, du dessin et du textile. Par ces pratiques a priori contradictoires, je rends compte de la primordialité de la ligne, du fil, comme vecteur d’une pensée intérieure. »

BANTAN

KANTE

Née en 2003 à Aubervilliers. Bantan est élève aux Beaux-Arts de Paris.
Française d’origine Malienne, Bantan, ayant été imprégnée par ses deux cultures, les intègre naturellement dans sa pratique. Dans son travail, elle tente d’exprimer et de qualifier sa perception des rapports sociaux et des stéréotypes. Ces questionnements constituent une partie de ses recherches. Ils sont le fruit de ses interactions avec son environnement et des problématiques qui traversent sa génération. Elle puise aussi souvent ses inspirations dans un imaginaire végétal ou du jeu pour enfant.

Ces formes simples, habituellement perçues comme douces, lui permettent d’exprimer paradoxalement les tensions et les engagements qu’elle souhaite révéler. On retrouve dans son travail des rapports de force, de domination, de luttes d’influences. Ainsi s’articulent le souple et le rigide, le lourd et le léger, le superficiel et le profond, le vertical et l’horizontal, le dynamique et le statique.

LINA

MENSAH

Lina Mensah, née en 1994 à Lomé, est une photographe passionnée par la capture d’instants authentiques et d’émotions. Spécialisée dans les portraits, elle expose ses séries telles que “Être vivant”, “Nyonu XXI”, “Abidjanaise by night” et “École au Togo”. Elle documente les réalités de la vie des femmes en Afrique. Lauréate des Oscars de la Photographie, elle est une figure naissante de la photographie togolaise, exposant à la biennale des arts de Dakar. En 2023, elle participe au Salon africain de la photographie à Aokas avant d’exposer en 2024 à Casa África.

MAZOCLET

TONINFO

Mazoclet Toninfo est un plasticien contemporain béninois dont le processus créatif puise dans les faits cultuels endogènes pour les inscrire dans la contemporanéité.

En spectateur émancipé de la gestuelle cultuelle des égunguns, son œuvre introduit l’œil du regardeur dans une mosaïque de saisies morphologiques, de corps en décompositions, de silhouettes instables, et de choses livides. Dans son œuvre, la mort se relève dans l’atmosphère des objets de la civilisation : bouteilles d’huile à moteur usées, bouchons de bouteilles d’eau, etc. ; des rebuts, laissés pour morts, désacralisés, arrimés à la métaphore de l’oubli. Ses travaux visent à réunir les gens. Une tâche qui pourrait se résumer en ces cinq mots : le mouvement, la liberté, la rigidité, la flexibilité et l’unicité.

ROUQUAIYA

YERIMA

Rouquaiya Yerima, originaire du Togo, se distingue en tant qu’artiste scénographe passionnée et polyvalente, laissant une empreinte indélébile dans les domaines du théâtre, de la décoration artistique et de la sculpture murale. Elle peint à travers ses œuvres la seule chose qui selon elle définit l’humain, « la tête », idéale devant consolider les acquis et ramener de façon définitive à la bonne marche du monde car selon Rouquaiya, quelque soit la forme, il n’y a pas d’Homme sans tête. C’est pourquoi elle s’engage à travers ses œuvres à sensibiliser et lever le voile sur de graves phénomènes sociaux qui minent l’existence humaine. Dans son travail qui est universel, elle a développé une technique de pointillisme qui fait de ses œuvres, une fête de couleurs, de formes et de figures à cheval entre l’art figuratif, l’abstrait et le conceptuel.

ARTMÉVI 2023

KWAMI

DA COSTA

JABACK

Artiste visuel pluridisciplinaire de nationalité togolaise, vivant et travaillant à Dakar (Sénégal), Kwami Da Costa a été formé dans l’atelier de Sambiani Kassan. À travers un travail de dessin, de peinture, de sculpture, d’installation et de performance, il questionne le lien familial comme vecteur d’attachement et de lutte contre l’isolement, l’exclusion et la vulnérabilité. Ce socle familial constitue un rempart avec l’apport de la pluralité des identités qui la composent. Ses œuvres abordent la question du déracinement social d’une couche juvénile délaissée en quête de son identité face aux contraintes pénibles de la vie qui est devenue leur sort.

Akpossonya Boèni Komlavi, dit Jaback, est un artiste togolais vivant et travaillant à Lomé. Il est diplômé de la Vision Art School à Accra au Ghana afin d’approfondir sa culture ainsi que sa recherche artistique. Par sa culture, son savoir et ses croyances, il exprime son art à travers les influences traditionnelles, ancestrales et culturelles, tout en tenant compte du monde moderne. Depuis quelques temps, il recycle et travaille des ossements de toutes espèces d’animaux qu’il assemble sur différents médiums. Ces os suscitent en nous, les communs des mortels, l’éveil de nos consciences avant tout acte. Selon lui, « l’Art » est mère de l’univers.

RAS SANKARA

Kossi Aféli Agboka, dit Ras Sankara, est un artiste togolais autodidacte engagé. C’est l’art de la performance que choisira l’artiste pour ses combats depuis une dizaine d’années, faisant ainsi de son corps l’outil de revendication par excellence.

Son œuvre aborde les questions liées au hasard de la vie, de notre perception du bien et du mal, à l'état métaphysique, de l’injustice sociale, de la corruption, etc. Ceci, afin de stimuler l’engagement des populations sur ces questions et renforcer la sensibilisation.

ELOTODE

SOKPOH

Elotodé Sokpoh est une artiste autodidacte et autrice d'une démarche artistique singulière. Sa pratique de la peinture se définit dans la représentation des mécanismes de l’esprit. Formellement, elle intègre dans le cadre de ce projet plusieurs types d’expressions très différents : l’abstraction, la lyrique et la figuration. Au moment de peindre, elle cherche la spontanéité totale de la création à travers la force créative de l’inconscient. Son travail s’élabore dans la transcription de ses rêves, angoisses, interrogations et mémoires. En plus d’explorer son propre subconscient, elle observe les gens de son entourage. Leurs histoires et les émotions inconscientes présentes dans leur discours sont également une source d’inspirations.

STEVE

TAYE TAYE

Tout jeune artiste togolais initié à l'art par le biais d'artistes confirmés de Lomé et le centre ATEBAÏ, Elom Thibaut Amedjro s'intéresse au travail de la couleur et de la matière. Il utilise des médiums comme le Bic, le crayon ou la peinture pour créer des tableaux tantôt hyperréalistes, tantôt abstraits. Il tente de mettre en lumière des éléments invisibles comme l'air mais aussi des oppressions et les sentiments, les émotions, qui en decoulent.

VITA SOUL

WILMERING

En partant d’une base documentaire, Vita Soul Wilmering travaille avec la vidéo, l’installation, la performance et la musique.

Dans sa pratique, elle s’intéresse à l’exploration de l’espace performatif qu’évoque une caméra pour visualiser des questions telles que la manière dont on se réapproprie une histoire personnelle, ou celle dont nous traitons les traumatismes et la mémoire collective, souvent ancrés dans des contextes sociopolitiques.

ARTMÉVI 2022

ASSOUKROU

AKE

THIBAUT

AMEDJRO

FLEUR

BIGUIBOURE

Né à Bonoua en Côte d'Ivoire, Assoukrou Ake commence à étudier l'art au lycée d'enseignement artistique d'Abidjan puis décide de poursuivre ses études en France, d'abord en histoire de l'art et archéologie (Université Paris 10, Nanterre), puis à L'ESAD de Tours (diplômé 2021, félicitations du jury) .
Dans ses œuvres, il met à profit sa formation en histoire afin d'élaborer des projets de recherches dans lesquels il incarne le rôle d'un médecin chercheur, pour construire des "récits de guérison" qui agissent comme des filtres au travers desquels il observe la violence et sa capacité de mutation. Cependant, pour mettre en place ce récit, il lui est impossible de mettre en image l'innomable, seulement déconstruire et reconstruire des fragments d'images, les cribler de trous, les disloquer, creuser des vides, désarticuler le mouvement, briser le contexte et les vider de leurs sens. Le conduisant vers un art de "traduction et de contre-image".

Originaire de Ouagadougou cette artiste se passionne pour la peinture en observant son mari "parler" avec ses toiles. Fleur Biguiboure s'investit dans le travail en collectif par le biais de plusieurs domaines comme la danse, la défense des handicapés, le théâtre et l'art contemporain. En associant la peinture aux tissus et aux objets, son travail est à la fois pictural et sculptural.

MADELEINE

CALAFELL

HÉLÈNE

KELHETTER

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AMANDINE

MASSÉ

Née à Abidjan (Côte d'Ivoire) et diplômée des Beaux-Arts de Paris, Madeleine Calafell explore les liens entre l'Afrique et l'Europe où elle a partagé son existence.
Sa pratique artistique provient de son vécu en Afrique (Côte d'Ivoire et Maroc) et ses travaux s'inspirent des allégories qu'elle a pu rencontrer dans les paysages et l'imaginaire social africain où la nature est souvent défiée.

Hélène Kelhetter est diplômée de L'ESAD de Reims en 2018. En 2017, elle écrit son mémoire sur l'histoire coloniale et décoloniale et interroge, par la suite, dans son travail la macro-histoire en s'attachant à ses micro-histoires notamment lors de ses voyages et ses rencontres avec le vivant mais aussi en dialoguant avec des artistes, des artisans et curateurs venant principalement du continent africain. Ces interrogations et ces rencontres intercontinentales se traduisent par le mélange de différents médiums comme le dessin, la vidéo et la céramique. Elle expose à Doual'art (Cameroun) en 2020, à la Biennale de la Sculpture de Ouagadougou (Burkina Faso) en 2021 et à la Biennale de Dakar (Sénégal) en 2022 au côté de l'artiste Aboubakry Ba.

Amandine Massé travaille la fragile limite qui distingue le rêve de la mémoire. L’artiste décrypte la manière dont les souvenirs, continuellement transformés par l’émotion qui les appellent, peuvent provoquer certaines hésitations dans notre perception du réel. En réinvestissant des images ou des fragments d’espaces qui l’ont marquée entre sa Provence Natale ou des pays comme le Ghana où elle a étudié, le travail sculptural de l’artiste pose la question de notre accès à nos souvenirs, et interroge la manière dont leur symbolique influence nos existences. Elle révèle alors différentes couches mémorielles entremêlées dans le réel.

ELOTODE

SOKPOH

KAFANA

SORO

TESPRIT (Résident 2021)

Née à Lomé (Togo), Elotode Sokpoh est une artiste autodidacte questionnant les visages, les femmes, les formes, les figures et leurs déclinaisons dans l'espace. Ses œuvres dépeignent différentes techniques inspirées du cubisme, de l'impressionnisme, de l'expressionnisme afin d'explorer les mondes féminins. L'artiste est également engagée sur des approches de travail en collectif.
En 2020, elle crée sa propre galerie-atelier à Lomé.

Né en 1991 en Côte d'Ivoire, Kafana Soro est issu d'une famille d'artisans. Fils de forgeron, il passe son enfance dans des ateliers de menuiserie et de métallurgie. Plus tard, alors qu'il fréquente l'INSAAC à Abidjan, il explore le travail de l'argile à travers la sculpture monumentale sous la direction de Kof Donkor. Au fil du temps, le bois est devenu son matériau de prédilection et il approfondi ses connaissances en tant qu'assistant de Jems Koko Bi. Sa pratique prend la forme une introspection. Lorsque que l'artiste se confronte au bois, il se confronte à lui-même. Il questionne son identité, profondément ancrée dans les traditions locales ancestrales et pourtant touchées par les cultures étrangères. Si l'œuvre de Kafana Soro peut parfois suggérer une lutte, une épreuve, rien n'est jamais apposé sur le bois. L'artiste négocie avec la matière, ses formes et le contexte.

Tesprit met en lumière l'univers des Dzimakplao - enfants sans éducation - en Mina, sa langue maternelle. En sculptant les tongs (communément appelées tapettes), accessoires incontournables dans les habitudes africaines, il aborde la question essentielle de la condition des enfants de la rue. Il transforme en véritable œuvre d'art ces sandalettes extraites de détritus et de d'échanges. Comme pour donner une seconde vie à ces enfants, une seconde chance.
Selon lui, nous pouvons comprendre la classe sociale d'une personne en observant l'état de ses tongs
Déjà présent lors de l'édition ArtMéssiamé 2021, Tesprit rejoint à nouveau la résidence 2022 afin de transmettre son expérience aux nouvelles et nouveaux résidents.es.

ARTMÉVI 2021

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MELINDA

FOURN

Mélinda Fourn est une jeune artiste française originaire du Bénin.

Elle collecte de manière obsessionnelle des déchets (épluchures de fruits, sachets de thé...) et se délecte de leur brunissement, leur dégradation, leur évolution.

Elle a aussi pour habitude de réaliser la plupart de ses accessoires, boucles d’oreilles, bagues et bracelets.

Après un voyage d’étude au Ghana, au sein de l’université des sciences et technologies Kwame Nkrumah,

elle apprend le tissage, la réalisation de bijoux en argent ainsi que la confection de perles et fait le choix d’incorporer et d’assumer des savoirs-faire autrefois tus au coeur de sa pratique.

EGNONAM STACEY

AGNEKETOM

L’artiste peintre Egnonan Stacey Agneketom est toujours en exploration dans l’histoire de l’art. Elle ne

cesse de se renouveler, de chercher et réinventer, des formes abstraites aux figuratives. Elle interroge

les sentiments ressentis à travers le mystère de l’intériorité. Ses couleurs vives, élément central de sa

peinture, enveloppent sensuellement les corps féminins et les paysages nous transportent dans une

douce danse énigmatique.

MAXIME

LAGUERRE

TESPRIT

IRENE

DE LAS ESTRELLAS ABELLO

La pratique artistique de Maxime Laguerre est influencée par le travail de l'image d'une époque passée. La

photographie argentique et l’estampe sont constitutives de sa pratique et de

son désir de compréhension et de transmission de techniques dites «obsolètes», inscrivant par là son travail dans une culture du « Do

It Yourself ».

Son intérêt pour la photographie et le portrait l'amène à travailler en moyen format et à m’inspirer à la fois de la photographie documentaire et de la photographie de mode pour mettre en

scène son entourage, ses créations plastiques ainsi que les leurs.

L’artiste plasticien Tesprit est un véritable touche-à-tout : teinture, taxi bagage au grand marché,

maçonnerie, jardinage - aucun métier ne lui donne froid aux yeux.

Tesprit développe une écriture basée sur le recyclage des sandalettes

communément appelées «DJIMAKPLA» (enfant sans éducation) au Togo. Ce travail de recyclage est né de la crise de la Covid-19, une période pendant laquelle, privé de ses ressources financières, l’artiste se penche vers des matériaux plus accessibles ayant un rapport direct avec la condition de

vie des hommes dans la société. Désormais, son style se reconnaît par la sculpture des sandalettes

sur toile à travers les thématiques de l’enfance et des conditions de vie des enfants de la rue.

«Dans un va-et-vient entre sa Colombie natale et une France d’adoption, Irene de las Estrellas cueilledes fragments de paysages à la frontière d’un imaginaire transatlantique. Au travers de divers

prélèvements, soustractions et détournements, elle vient tantôt révéler, sinon désamorcer, ce qui

construit nos échelles de valeurs. C’est dans une pratique du soin et du détail qu’elle cherche des

formes aérées des nuisances propres à un système en saturation. Des formes qui se prononcent à la

manière d’un geste. Logée dans les interstices de nos représentations, Irene nous montre des traces

laissées comme autant de signes à décrypter, de modes d’attention et des langages à appréhender.»

Clément Erhardy

KWAMI

DA COSTA (Résident 2020)

PIER

SPARTA

CAMILLE

BRÉE

Kwami Da Costa, artiste togolais pluridisciplinaire, formé dans l’atelier de Sambiani Kassan, interroge

les liens familiaux comme vecteur de lutte contre l’isolement, l’exclusion et la vulnérabilité. Ses travaux

s’intéressent au phénomène d’enterrement du placenta mais aussi à la naissance et aux liens

spirituels entre un nouveau-né et sa mère.

Né en Bourgogne et d’origine sicilienne, Pier Sparta s’inscrit dans le genre de la sculpture d’expression humaine et y trouve un espace pour développer son univers. La sculpture figurative devient pour lui un moyen d’évoquer l’humain dans son psychisme et son espace physique lié aux environnements qu’il traverse. Il mêle un processus de vie à un processus artistique en modelant l’homme dans une vie onirique.

Camille Brée est une artiste française qui vit et travaille entre Paris et Amsterdam.

AYAWAVI REINE

ADJOYI

CLÉMENT AYIKOUÉ

GBEGNO

THIERRY

TOMETY

Artiste plasticienne autodidacte, Ayawavi Reine Adjoyi peint les visages qui l’entourent dans des paysages oniriques. L’humain est sa principale source d’inspiration dont elle recouvre la toile, la décompose, entre formes abstraites et figuratives. En parallèle investie dans plusieurs associations, son travail artistique extrait de ce concret des espaces imaginaires.

Né en 1993 de parents togolais et béninois, Thierry Tomety débute sa carrière en tant qu’informaticien. Durant son temps libre, il s’essaie à l’infographie et se découvre un attachement pour les couleurs. Il décide de se mettre à la peinture, mettant finalement au second plan sa formation professionnelle pour se consacrer à son art. Son travail traite du processus de création et du questionnement sur le sens de la vie. Il met un point d’honneur à laisser libre court à l’imagination ceux qui se plongent dans son travail.

FANNY

MAGNABAL

Fanny Magnabal vit et travaille à Paris. Son travail protéiforme avec un accent pour la céramique, s’interroge sur les ramifications d’un intime subversif où la quête érotique et poétique deviennent par des gestes rituels une aurore au choeur. Souvent produites sous forme d’ensemble, ses pièces ne

tiennent debout que par l’appui mutuel, telle une aire polyphonique.

Amenée et habitée par des lectures c’est dans la recherche sur le territoire des oiseaux de Vinciane

Despret ; définit non pas par des frontières planes mais des gonflements d’espaces entremêlés que Fanny puise sa propre notion de rencontre et de périmètre d’expression.

DYLAN

MAQUET

Dylan Maquet vit et travaille entre Paris et Düsseldorf, diplômé des Beaux-Arts de Paris il a aussi

étudié deux ans à la Kunstakademie de Düsseldorf.

Dans la pratique artistique de Dylan Maquet, ce qui est à voir est à voir dans l’instant. Il utilise les matériaux de manière singulière, il les met en tension, montre leur fragilité. L’encre des impressions en sérigraphie s’imprime sur de la bâche transparente de manière à ce qu’elle disparaisse avec le temps,

les armatures en métal sont complétées parfois par de la cire. Chaque médium devient alors un

passage où oscille fragilité, instabilité, solidité, permanence et éphémère.